Über die schwierige Beziehung zwischen Künstler und Publikum

Autor: Tomás Barceló

Einige Künstler reagieren zutiefst gereizt, wenn ich die Notwendigkeit erwähne, eine Verbindung zum Publikum aufzubauen. Diese Reaktion offenbart meiner Meinung nach eine Wunde und damit eine mögliche Quelle für Erkenntnis.

Die Kommentare, die ich erhalte, lassen sich meist in drei Gruppen einteilen, die sich manchmal überschneiden. Eine lenkt die Aufmerksamkeit auf das Publikum; eine andere konzentriert sich auf den Künstler; und die dritte betont das Wesen der Kunst selbst.

1. „Das Publikum weiß nichts“

Dies ist die viszeralste und ressentimentsgeladenste Haltung. Dem Publikum wird vorgeworfen, ignorant, unkultiviert und unfähig zum Verstehen zu sein. Ich verstehe die Reaktion, denn ich habe sie selbst gespürt. Es ist ein Groll, der aus einem gescheiterten Verbindungsversuch erwächst.

Wenn man etwas von sich selbst anbietet und Gleichgültigkeit erntet, schmerzt das, und um uns zu schützen, haben wir zwei Wege: Wir geben uns selbst die Schuld oder dem Publikum. Der erste sagt uns: „Ich habe es nicht geschafft“, und das schmerzt, weil es uns zwingt, uns unseren Grenzen zu stellen und zu akzeptieren, dass wir noch keinen Weg gefunden haben, andere zu erreichen. Der zweite behauptet, „das Publikum ist dumm“, und fungiert als emotionales Schmerzmittel: Es schützt unseren Stolz und erlaubt uns, weiterzumachen, ohne uns zu hinterfragen … aber nur oberflächlich, denn das Unbehagen bleibt.

Keine der beiden Antworten löst das eigentliche Problem: die Frustration über eine Verbindung, die wir uns ersehnt, aber nicht erreicht haben. Die erste Option lässt zumindest Raum für einen neuen Versuch, auch wenn das bedeutet, unsere Herangehensweise zu überdenken; die zweite hingegen lässt uns feststecken, weil sie von einer Veränderung abhängt, die andere vornehmen müssen, nicht wir.

2. „Ich mache Kunst für mich selbst, nicht für andere“

Diese Position kann aufrichtig sein oder eine weitere Form der Zuflucht darstellen. Es gibt Künstler, die wirklich nach innen gerichtet erschaffen: Sie erleben ihre Kunst als eine intime, therapeutische Erfahrung, und das tun sie mit vollkommenem Frieden. Das Anzeichen dafür, dass dies der Fall ist, ist eben dieser Frieden: Sie empfinden keine Frustration, wenn niemand ihre Arbeit anerkennt, weil sie es nicht brauchen. So geht es mir zum Beispiel mit der Musik.

Kunst „für das Innere“ versucht, das eigene Innenleben zu ordnen, während Kunst „für das Äußere“ aus dem Wunsch entsteht, anderen etwas anzubieten. Wenn das Ausbleiben von Anerkennung Groll oder Traurigkeit hervorruft, haben wir es wahrscheinlich mit einem frustrierten Wunsch nach Verbindung zu tun. Dieser Schmerz ist der Beweis dafür, dass die Kunst vielleicht doch nicht so sehr „für das Innere“ ist, wie behauptet.

3. „Kunst, die Erfolg hat, ist reines Marketing“

Hier taucht eine weitere Form des Ressentiments auf: die Vorstellung, dass diejenigen, die es schaffen, eine Verbindung zum Publikum aufzubauen, dies nur tun, weil sie die Kunst verraten und sie zur Ware gemacht haben. Es stimmt, dass man versuchen kann, Kunst wie jedes andere Produkt herzustellen, aber das funktioniert fast nie. Es ist nicht die Werbung, die eine dauerhafte Bindung zum Publikum schafft, sondern die Erfahrung von etwas, das sie als authentisch und wertvoll wahrnehmen.

Für mich ist die Bildhauerei kein Beruf, sondern eine Berufung voll liebevoller Hingabe, der ich mein Leben widmen möchte, fast wie eine Ehe oder ein kleines Priestertum. Bei dieser Hingabe geht es nicht ums Verkaufen, sondern darum, ein wenig Schönheit in einer Welt anzubieten, die von Verzweiflung belagert ist. Und innerhalb dieser Berufung ist das Publikum kein Kunde, den es zufriedenzustellen gilt: Es sind die Menschen, an die diese Form der Liebe gerichtet ist.

Deshalb beziehe ich mich, wenn ich von „Verbindung zum Publikum“ spreche, nicht auf Techniken oder Marketingstrategien. Ich meine, dass ein Werk jemanden finden muss. Und wenn das geschieht, liegt das selten an Tricks, sondern daran, dass das, was wir tun, aus irgendeinem Grund mit etwas übereinstimmt, das andere brauchen, auch wenn sie es nicht ausdrücken können. Deshalb geht es nicht darum, dem Publikum zu gehorchen oder sich an dessen Geschmack anzupassen. Es geht darum, darauf zu hören, welcher symbolische Raum in ihrem Leben leer ist, und aus dem tiefsten Teil unserer Authentizität etwas anzubieten, das diesen erhellen kann.

Wenn Sie Kunst „für das Äußere“ machen, wenn Ihre Absicht darin besteht, an diesem symbolischen Gespräch teilzunehmen, dann ist Ihnen das Publikum wichtig. Es ist Teil Ihrer Verantwortung. Es beeinflusst Sie, verletzt Sie und bereitet Ihnen Freude.

Das symbolische Gespräch entstand vor zehntausenden von Jahren, als sich ein Stamm in der Dämmerung um das Feuer versammelte und einer von ihnen um Stille bat. Diese Geste – sich vor andere zu stellen und ihre Aufmerksamkeit zu fordern – ist der Ursprung dessen, was wir heute Kunst nennen. Deshalb denke ich an diese Szene, wenn ich davon spreche, eine Verbindung zum Publikum aufzubauen. Letztendlich ist Kunst immer noch das: am Feuer stehen und sagen: „Hör mir einen Moment zu: Ich habe dir etwas zu erzählen.“