Ausstellen gegen Gebühr. Wenn der Künstler zum Kunden wird.

Autor: Tomás Barceló

Eines der deutlichsten Anzeichen dafür, dass die Kunstwelt, wie wir sie einst kannten, an ihr Ende gekommen ist, ist die Normalisierung einer Praxis, die noch vor gar nicht allzu langer Zeit undenkbar schien: dafür zu bezahlen, ausstellen zu dürfen.

Ich war noch nie ein Künstler, der besonders stark in das Galerie-System integriert war. Ich habe mich immer eher am Rande bewegt, und dennoch habe ich in den neunziger und frühen zweitausender Jahren mehrere Ausstellungen in konventionellen Galerien bestritten. Sie wurden von Publikum und Kritik gut aufgenommen, verkauften sich jedoch schlecht, aber zu keinem Zeitpunkt kam jemand auf die Idee, mich für eine Ausstellung zur Kasse zu bitten. Vor 2008 war diese Vorstellung schlichtweg absurd.

Das erste Mal, dass man mich bat, für eine Ausstellung zu bezahlen, war kurz nach der Krise von 2008. Damals schlossen einige Galerien, viele Künstler konnten nicht mehr von ihrer Arbeit leben, und das Kultursystem geriet in eine tiefe Krise. In diesem Kontext entstanden alternative Vorschläge, vorangetrieben von unabhängigen Kulturmanagern – oft arbeitslosen –, die aufrichtig beabsichtigten, den Sektor neu zu erfinden oder zumindest die Krise zu navigieren, bis sie abklang. Es war die Rede von neuen Formaten, kultureller Dynamisierung und der Sichtbarmachung von Künstlern. In der Praxis liefen viele dieser Vorschläge jedoch darauf hinaus, in Bars oder Räumlichkeiten mit freien Wandflächen auszustellen. Die endgültige Überraschung stand im Kleingedruckten: monatliche Gebühren, die Künstler als Verwaltungsaufwand zahlen mussten, um Zugang zu diesen Ausstellungen zu erhalten.

Vor der Krise war das Modell klar. Der Galerist, Händler oder Kulturmanager investierte in Künstler, in denen er einen Wert sah, und schlug ein gemeinsames Geschäft vor. Der Künstler produzierte das Werk, die Galerie stellte ihr Kundennetzwerk und ihre Vermittlungskapazität zur Verfügung, und die Gewinne wurden geteilt. Die Prozentsätze konnten hoch sein, aber sie ergaben Sinn, wenn die Galerie ihre Rolle erfüllte: Kontext generieren, Diskurs aufbauen, Netzwerke knüpfen und verkaufen.

Das Problem entsteht, wenn Verkäufe aufhören, das Zentrum des Systems zu sein. Wenn es nicht genug Käufer gibt, richtet die Branche ihren Blick auf diejenigen, die produzieren, und der Künstler begann, als direkte Einnahmequelle betrachtet zu werden. In einem Kontext, in dem es mehr Menschen gibt, die Künstler sein wollen, als Sammler, die am Kauf von Werken interessiert sind, wird diese Umkehrung des Modells verlockend. Ausstellungen, Sichtbarkeit und Präsenz werden gegen Geld angeboten, und das verändert die Spielregeln komplett. Der Künstler hörte auf, der Anbieter zu sein, und wurde zum Kunden.

Oft tarnt sich dieses neue Modell mit scheinbar günstigen Verkaufsprovisionen, die viel niedriger sind als früher. Das klingt gut, ist aber irreführend. Wenn das Geschäft nicht mehr vom Verkauf von Kunstwerken abhängt, sondern davon, Künstler anzuziehen, die dafür bezahlen, dort zu sein, nehmen die tatsächlichen Anreize zum Verkauf ab. Erfolg wird nicht mehr in Verkaufszahlen gemessen, sondern an der Anzahl der Teilnehmer.

In seiner extremsten Form äußert sich dies in großen kollektiven Veranstaltungen ohne künstlerische Kriterien, bei denen jeder willkommen ist, solange er seine Gebühr zahlt. Dies sind Ausstellungen, die wie Partys funktionieren: viele Leute, Konzerte, Cocktails, eine Bar, Eintrittsgelder. Der Ausstellungsraum wird eher als Immobilien- oder Freizeitgeschäft verstanden denn als kulturelles Ereignis. Es gibt ein Publikum, es gibt Bewegung, aber nicht unbedingt ein echtes Interesse an den Werken, geschweige denn Verkäufe.

Das bedeutet nicht, dass es immer negativ ist, für die Teilnahme zu bezahlen. Es kann Sinn ergeben, wenn man genau weiß, worauf man sich einlässt. Manche versuchen, ihren Lebenslauf mit Ausstellungen in Städten wie New York oder London aufzubessern, auch wenn es sich in der Praxis lediglich um einen Raum handelt, der für einige Wochen gemietet wurde. Für diejenigen, die das Spiel verstehen, gibt es keine Täuschung, aber man sollte auch nicht glauben, dass dies den gleichen Wert hat wie eine echte kuratorische Auswahl.

Es gibt auch ehrliche Angebote, sowohl physisch als auch digital, die Plattformen mit Kriterien, echtem Publikum und kulturellen Impulsen bieten. Der Schlüssel ist meist einfach: Wenn Sie als Zuschauer teilnehmen würden, mag es sinnvoll sein, als Schöpfer teilzunehmen. Wenn der Vorschlag hingegen nicht einmal als Publikumsteilnehmer interessant ist, wird es kaum einen langfristigen Wert haben, dafür zu bezahlen, dort zu sein.

Für bestimmte Dienstleistungen zu bezahlen, kann jedoch vernünftig sein: Verkaufsmanagement, Logistik, Exporte, echte und nachweisbare Werbung. In diesen Fällen entspricht die Zahlung einer konkreten Arbeit. Der grundlegende Unterschied ist dieser: Wenn Sie bezahlen, sind Sie der Kunde. Und das ist an sich nicht schlecht, solange es klar ist. Das Problem entsteht, wenn Rollen vermischt werden und das, was im Wesentlichen eine kommerzielle Dienstleistung ist, als künstlerische Anerkennung präsentiert wird.

Persönlich bevorzuge ich provisionsbasierte Modelle, bei denen der Manager Geld verdient, wenn das Werk verkauft wird. Dort wird der Künstler wieder zum Anbieter, und der Erfolg hängt davon ab, dass das System für beide funktioniert.

Die Kunstwelt, die Ende des 19. Jahrhunderts entstand und mit Krisen und Anpassungen bis 2008 überlebte, ist nicht mehr am Leben. Jetzt ist es an der Zeit, neue Wege zu erkunden. Neue Formen des Schaffens, der Verbreitung, der Ausstellung und der Beziehungen zur Gesellschaft. Aber um dies ehrlich zu tun, ist es notwendig, diesen Veränderungen ins Gesicht zu sehen, sie zu verstehen und aufzuhören, sie mit Namen zu belegen, die ihnen nicht mehr gehören.