Autore: Tomás Barceló
Uno dei segnali più evidenti che il mondo dell'arte così come lo conoscevamo è giunto al termine è la normalizzazione di una pratica che, non molto tempo fa, sembrava impensabile: pagare per esporre.
Non sono mai stato un artista particolarmente integrato nel sistema delle gallerie. Mi sono sempre mosso più comodamente lungo i margini e, ciononostante, durante gli anni Novanta e i primi anni Duemila ho tenuto diverse mostre in gallerie convenzionali. Erano ben accolte dal pubblico e dalla critica, scarse nelle vendite, ma in nessun momento è venuto in mente a nessuno di chiedermi denaro per esporre. Prima del 2008, quell'idea era semplicemente assurda.
La prima volta che mi è stato chiesto di pagare per esporre è stato subito dopo la crisi del 2008. In quel periodo, alcune gallerie chiusero, molti artisti smisero di vivere del proprio lavoro e il sistema culturale entrò in una crisi profonda. In quel contesto, emersero proposte alternative, guidate da manager culturali indipendenti — spesso disoccupati — che intendevano genuinamente reinventare il settore o almeno navigare la crisi finché non si fosse attenuata. Si parlava di nuovi formati, dinamizzazione culturale e di dare visibilità agli artisti. Tuttavia, una volta messe in pratica, molte di queste proposte finirono per ridursi a mostre in bar o locali con spazio a parete disponibile. La sorpresa finale arrivò nelle clausole scritte in piccolo: quote mensili che gli artisti dovevano pagare come onere di gestione per poter accedere a queste mostre.
Prima della crisi, il modello era chiaro. Il gallerista, il mercante o il manager culturale investiva negli artisti in cui vedeva del valore e proponeva un'attività condivisa. L'artista produceva l'opera, la galleria metteva a disposizione la propria rete di clienti e la capacità di mediazione, e i profitti venivano divisi. Le percentuali potevano essere alte, ma avevano senso se la galleria svolgeva il suo ruolo: generare contesto, costruire un discorso, creare reti e vendere.
Il problema sorge quando le vendite smettono di essere il centro del sistema. Quando non ci sono abbastanza acquirenti, il settore sposta lo sguardo verso chi produce e l'artista inizia a essere visto come una fonte diretta di reddito. In un contesto in cui ci sono più persone che vogliono essere artisti rispetto ai collezionisti interessati ad acquistare opere, questa inversione del modello diventa allettante. Mostre, visibilità e presenza vengono offerte in cambio di denaro, e questo cambia completamente le regole del gioco. L'artista cessa di essere il fornitore e diventa il cliente.
Spesso, questo nuovo modello si maschera con percentuali di vendita apparentemente favorevoli, molto più basse di prima. Suona bene, ma è fuorviante. Se l'attività non dipende più dalla vendita di opere d'arte ma dall'attirare artisti che pagano per esserci, i veri incentivi a vendere diminuiscono. Il successo non si misura più nelle vendite ma nel numero di partecipanti.
Nella sua forma più estrema, ciò si traduce in grandi eventi collettivi privi di criteri artistici, dove tutti sono i benvenuti purché paghino la propria quota. Sono mostre che funzionano come feste: tanta gente, concerti, cocktail, un bar, ingresso a pagamento. Lo spazio espositivo viene inteso più come un'attività immobiliare o di svago che come un evento culturale. C'è pubblico, c'è movimento, ma non necessariamente un interesse genuino per le opere, tanto meno vendite.
Ciò non significa che pagare per partecipare sia sempre negativo. Può avere senso se si sa esattamente in cosa ci si sta imbarcando. Alcuni cercano di gonfiare il proprio curriculum con mostre in città come New York o Londra, anche se in pratica si tratta semplicemente di uno spazio affittato per poche settimane. Per chi comprende il gioco, non c'è inganno, ma non bisogna nemmeno credere che ciò abbia lo stesso valore di una reale selezione curatoriale.
Esistono anche proposte oneste, sia fisiche che digitali, che offrono piattaforme con criteri, un pubblico reale e stimoli culturali. La chiave è solitamente semplice: se parteciperesti come spettatore, può avere senso partecipare come creatore. Se, d'altro canto, la proposta non è interessante nemmeno come membro del pubblico, pagare per esserci difficilmente avrà un valore a lungo termine.
Pagare per determinati servizi, tuttavia, può essere ragionevole: gestione delle vendite, logistica, esportazioni, promozione reale e verificabile. In quei casi, il pagamento corrisponde a un lavoro specifico. La differenza fondamentale è questa: se paghi, sei il cliente. E questo non è un male di per sé, purché sia chiaro. Il problema sorge quando i ruoli vengono confusi e ciò che è essenzialmente un servizio commerciale viene presentato come riconoscimento artistico.
Personalmente, preferisco i modelli basati su commissioni, in cui il manager guadagna denaro se l'opera viene venduta. Lì, l'artista torna a essere il fornitore e il successo dipende dal fatto che il sistema funzioni per entrambi.
Il mondo dell'arte nato alla fine del XIX secolo e che, tra crisi e aggiustamenti, è sopravvissuto fino al 2008, non è più in vita. Ora è il momento di esplorare nuovi percorsi. Nuove forme di creazione, diffusione, esposizione e relazioni con la società. Ma per farlo onestamente, è necessario guardare questi cambiamenti in faccia, comprenderli e smettere di chiamarli con nomi che non appartengono più loro.
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