Autor: Tomás Barceló
Um dos sinais mais claros de que o mundo da arte tal como o conhecíamos chegou ao fim é a normalização de uma prática que, há pouco tempo, parecia impensável: pagar para expor.
Nunca fui um artista particularmente integrado no sistema das galerias. Movi-me sempre de forma mais confortável pelas margens e, ainda assim, durante a década de noventa e o início dos anos dois mil, realizei várias exposições em galerias convencionais. Foram bem recebidas pelo público e pela crítica, mal em vendas, mas em momento algum ocorreu a alguém pedir-me dinheiro para expor. Antes de 2008, essa ideia era simplesmente absurda.
A primeira vez que me pediram para pagar para expor foi logo após a crise de 2008. Naquela altura, algumas galerias fecharam, muitos artistas deixaram de viver do seu trabalho e o sistema cultural entrou numa crise profunda. Nesse contexto, surgiram propostas alternativas, impulsionadas por gestores culturais independentes — muitas vezes desempregados — que pretendiam genuinamente reinventar o setor ou, pelo menos, navegar a crise até que esta diminuísse. Falava-se de novos formatos, dinamização cultural e de dar visibilidade aos artistas. No entanto, quando postas em prática, muitas destas propostas acabaram reduzidas a exposições em bares ou locais com espaço de parede disponível. A surpresa final surgia nas letras pequenas: taxas mensais que os artistas tinham de pagar como custo de gestão para poder aceder a estas exposições.
Antes da crise, o modelo era claro. O galerista, o negociante ou o gestor cultural investiam nos artistas em quem viam valor e propunham um negócio partilhado. O artista produzia a obra, a galeria disponibilizava a sua rede de clientes e capacidade de mediação, e os lucros eram divididos. As percentagens podiam ser elevadas, mas faziam sentido se a galeria cumprisse o seu papel: gerar contexto, construir discurso, criar redes e vender.
O problema surge quando as vendas deixam de ser o centro do sistema. Quando não há compradores suficientes, o setor desviou o olhar para quem produz e o artista começou a ser visto como uma fonte direta de rendimento. Num contexto em que há mais pessoas que querem ser artistas do que colecionadores interessados em comprar obras, esta inversão do modelo torna-se tentadora. Oferecem-se exposições, visibilidade e presença em troca de dinheiro, e isto muda completamente as regras do jogo. O artista deixou de ser o fornecedor e tornou-se o cliente.
Muitas vezes, este novo modelo disfarça-se com percentagens de venda aparentemente favoráveis, muito mais baixas do que anteriormente. Soa bem, mas é enganador. Se o negócio já não depende da venda de obras de arte, mas sim de atrair artistas que pagam para lá estar, os incentivos reais para vender diminuem. O sucesso deixa de ser medido em vendas e passa a sê-lo pelo número de participantes.
Na sua forma mais extrema, isto traduz-se em grandes eventos coletivos sem critérios artísticos, onde todos são bem-vindos desde que paguem a sua taxa. São exposições que funcionam como festas: muita gente, concertos, cocktails, um bar, entrada paga. O espaço de exposição é entendido mais como um negócio imobiliário ou de lazer do que como um evento cultural. Existe público, existe movimento, mas não necessariamente interesse genuíno pelas obras, quanto mais vendas.
Isto não significa que pagar para participar seja sempre negativo. Pode fazer sentido se soubermos exatamente no que nos estamos a meter. Alguns procuram inflacionar o seu currículo com exposições em cidades como Nova Iorque ou Londres, mesmo que, na prática, se trate apenas de um espaço alugado por algumas semanas. Para quem entende o jogo, não há engano, mas também não se deve acreditar que isto tem o mesmo valor que uma seleção curatorial real.
Existem também propostas honestas, tanto físicas como digitais, que oferecem plataformas com critérios, públicos reais e estímulo cultural. A chave é geralmente simples: se frequentaria como espectador, pode fazer sentido participar como criador. Se, pelo contrário, a proposta não é interessante nem como membro do público, pagar para lá estar dificilmente terá qualquer valor a longo prazo.
Pagar por certos serviços, no entanto, pode ser razoável: gestão de vendas, logística, exportações, promoção real e verificável. Nesses casos, o pagamento corresponde a um trabalho específico. A diferença fundamental é esta: se paga, é o cliente. E isso não é mau por si só, desde que seja claro. O problema surge quando os papéis se confundem e o que é essencialmente um serviço comercial é apresentado como reconhecimento artístico.
Pessoalmente, prefiro os modelos baseados em comissões, onde o gestor ganha dinheiro se a obra vender. Aí, o artista volta a ser o fornecedor e o sucesso depende de o sistema funcionar para ambos.
O mundo da arte que nasceu no final do século XIX e, com crises e ajustes, sobreviveu até 2008, já não está vivo. Agora é altura de explorar novos caminhos. Novas formas de criação, disseminação, exposição e de relacionamento com a sociedade. Mas, para o fazer de forma honesta, é necessário encarar estas mudanças, compreendê-las e parar de as chamar por nomes que já não lhes pertencem.
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